Vice recorrió noventa años de exposiciones del MoMA para compartir las exposiciones que les hubiera gustado ver en su momento, desde la moda de los años 40 hasta los sillones de Yayoi Kusama.
Por Emily Manning, i-D
Ciudad de México, 20 de noviembre (SinEmbargo/ViceMedia).–Recientemente, el Museo de Arte Moderno (MoMA) dio a conocer un nuevo recurso increíble: una exhibición digital histórica gratuita que cataloga cada exposición que se ha montado ahí. Este archivo incluye versiones originales de prensa, listas de control de exposición, copias escaneadas de catálogos que no tienen versión impresa e imágenes de las instalaciones desde el interior de la muestra –el material se remonta a los orígenes del museo en 1929.
The Young Rebel in American Photography, 1950-1970 (1992)
Hacia el final del siglo XX, una nostalgia por toda la rebeldía de los años cincuenta estaba en ebullición dentro de la cultura popular (pensemos en Cry-Baby o los Stray Cats) y es probable que inspirara el tema de esta muestra fotográfica. Trazando la influencia de las películas de James Dean y Marlon Brando -así como la monografía seminal de 1959 de Robert Frank The Americans-, la exposición examina a los “fotógrafos aventureros que abandonaron la postura fotoperiodística de la objetividad” y cómo su “búsqueda de la lucha de la juventud estadounidense por la auto definición ayudó a crear un nuevo vocabulario para la fotografía, el cual enfatizaba la subjetividad de la experiencia personal”.
The Young Rebel tuvo como eje principal a cuatro de estos fotógrafos: Danny Lyon (que documentó el crew de motociclistas Chicago Outlaw), Bruce Davidson (que captó a las pandillas adolescentes de Coney Island), William Gedney (quien fotografió a los chicos hippies paseando por Haight-Ashbury), y Larry Clark (cuya serie Tulsa proporcionó un retrato inexorable y urgente de la cultura de la droga).
Useful Household Objects Under $5.00 (1938)
Teniendo en cuenta las exposiciones de gran éxito que el MoMA monta cada año, es divertido rememorar una de las exposiciones más económicas de la entonces incipiente institución. Con más de 100 artículos para el hogar (entre ellos teteras de aluminio, escurreplatos, cajas de cigarros, tenedores, cucharas, cortinas de baño, lámparas e incluso un bote de basura), la exposición tuvo como objetivo demostrar “que es posible comprar artículos cotidianos de excelente diseño a precios razonables”.
Esa misma idea fue la base de Humble Masterpieces, una exhibición que el museo abrió casi sesenta años después, en 2004, que contó con Post-its, bolígrafos Bic y banditas adhesivas.
Committed to Print (1988)
Esta exhibición de finales de los ochenta fue la primera que el museo dedicó a explorar las ideas sociales y políticas que comunican las obras artísticas impresas estadounidenses -libros y carteles de edición limitada creados por artistas que trabajan principalmente con la pintura o la escultura. Committed to Printestuvo organizada bajo una serie de temas: gobiernos y líderes, género, energía nuclear y ecología, guerra y revolución, raza y cultura; así como también economía, lucha de clases y el sueño americano. Sa darán cuenta de que falta algo en esa lista y en el catálogo completo de la exposición: no hay ninguna obra de arte relacionada con los derechos o la cultura LGBT.
Para 1988, más de 20 mil estadounidenses ya habían muerto por causas relacionadas con el SIDA; poco después de que abriera esta exposición, el número de muertos se disparó, y siguió aumentando exponencialmente a lo largo de los años 90. Las industrias creativas de Nueva York fueron particularmente diezmadas por la epidemia, por lo cual el hecho de que el SIDA se encuentre completamente ausente de una exhibición relacionada con temas políticos y sociales a nivel global parece más que una omisión flagrante. Nos gustaría viajar en el tiempo y averiguar por qué ocurrió esto.
The Pleasures and Terrors of Domestic Comfort (1991)
Este convincente sondeo fotográfico también tuvo al “sueño americano” como una de sus directrices; pero a diferencia de Committed to Print -que exploró los temas geopolíticos externos en el marco de un mundo desgarrado por la guerra-, esta exposición examinó las políticas sociales desde el interior. The Pleasures and Terrors of Domestic Comfort incluyó más de 150 fotos y 60 fotógrafos, pero gran parte de la obra presentada fue realizada en la década de 1980, por artistas como Tina Barney, Doug DuBois, Carrie Mae Weems, Nan Goldin, Cindy Sherman y Laurie Simmons.
El catálogo a color de la muestra se encuentra escaneado en su totalidad y realmente vale la pena verlo; su ensayo introductorio cita a David Lynch y Diane Arbus.
Are Clothes Modern? (1944)
En 2017, el MoMA montará Items: Is Fashion Modern?, una exposición con una colección de prendas de vestir -desde los Levi’s 501 hasta diminutos vestidos negros- que durante el siglo pasado transformaron la cultura. La interrogante contenida en el título de la exposición retoma una pregunta que el MoMA planteó hace más de setenta años, en la única exhibición que ha montado en la historia con relación al diseño de ropa.
“El propósito de esta exposición no es rescatar la monstruosidad de la ropa moderna de la masa de la tradición confusa, sino más bien mostrar su enorme poder de dominio y condicionamiento en todas las etapas de la vida”, escribió el arquitecto y curador Bernard Rudofsky en el resumen de su exposición.
The Last Works of Matisse: Large Cut Gouaches (1961)
Incluso el más rápido vistazo a los archivos de las exposiciones del MoMA revela su gran enamoramiento hacia el artista francés; el nombre de Matisse ha aparecido en cerca de cuarenta títulos de exposiciones (el número de exhibiciones que han incluido su obra probablemente sea de cientos). El MoMA ha dedicado exposiciones a sus dibujos, esculturas y pinturas y, más recientemente, a sus célebres cut-outs -las obras abstractas a gran escala que creo en papel hasta su muerte en 1954.
Algunos años después de su muerte, el MoMA exhibió cuarenta de los enormes gouaches (o como él los llamaba: “dibujos con tijeras”) que Matisse hizo en los últimos cuatro años de su vida. Encontré una copia del catálogo de la modesta exposición de 1961 en una librería de viejo, y, quizás estúpidamente, arranqué varias de sus páginas para dárselas a mis amigos y para ponerlas en mis paredes. Afortunadamente para ustedes y para mí, la versión completa escaneada en PDF del libro está disponible a través de la historia de las exposiciones aquí.
Love Forever: Yayoi Kusama 1958-1968 (1998)
Muchos de nosotros hemos estado dentro de la habitación de luces infinitas de Yayoi Kusama, puesto estampas de colores brillantes en su prístino mobiliario blanco o dado un paseo por su jardín lleno de esferas espejadas. Pero aquí hay un exposición para la cual probablemente no hiciste fila por horas (yo tenía siete años, tenía otras cosas en mente).
Esta retrospectiva de 1998 repasa una de las décadas más fructíferas de Kusama, el período en el que llegó por primera vez a la ciudad de Nueva York. Presenta una colección de dibujos, pinturas, esculturas e instalaciones que Kusama creó mientras estuvo en los EE.UU., gran parte de ella contiene un mar interminable de puntos. El MoMA ha subido una edición japonesa bastante psicodélica del catálogo de la exposición y realmente es digna de verse.
In Honor of Dr. Martin Luther King (1968)
Sólo seis meses después del asesinato del Dr. Martin Luther King en abril de 1968, el MoMA montó una exposición y venta de importantes obras de arte estadounidense -la primera vez que se llevó a acabo una exhibición en beneficio de otra organización, la Conferencia Sur de Liderazgo Cristiano. Curiosamente, el archivo de exposiciones del MoMA contiene dos comunicados de prensa para esta exhibición.
Uno, del 5 de octubre, establece que sesenta destacados artistas estadounidenses han contribuido con obras para la exposición, y señala a la señora de John F. Kennedy como Presidenta Honoraria. El otro, del 30 de octubre, establece que 81 destacados artistas hicieron contribuciones, y señala a la señora de Aristóteles Onassis como Presidenta Honoraria. Alexander Calder, Mark Rothko, Jasper Johns y Andy Warhol exhibieron sus obras en memoria del Dr. King; Ralph Ellison, James Baldwin y Allen Ginsberg participaron en una lectura literaria en la noche de clausura de la exposición.
Diane Arbus (1972)
El MoMA albergó la primera retrospectiva de Arbus en 1972 -un momento en el que el interés por la fotografía como medio artístico se disparó, y sólo un año después del suicidio de la artista. La retrospectiva exhibió 125 fotografías, incluidas impresiones póstumas hechas a partir de negativos cuyo proceso Arbus no terminó antes de quitarse la vida.
Tal como era de esperarse, los temas de estos retratos documentales variaron drásticamente: nudistas, niños en la calle, artistas circenses, enanos rusos, gemelos idénticos, enanos mexicanos, campeones de baile de salón.
Life of the City (2002)
Los acontecimientos del 9/11 tuvieron un impacto transformador en muchos aspectos de la existencia contemporánea: uno de ellos es la creación artística. Esta muestra experimental se llevó a acabo en tres elementos distintos pero relacionados: el primero exhibió fotografías que demostraban la “riqueza, diversidad y el poder de la tradición fotográfica en Nueva York, y que en conjunto evocan la vitalidad, el valor y la belleza de la ciudad”.
El segundo convocó el desarrollo de presentaciones fotográficas por parte de los neoyorquinos y los visitantes del museo que hubieran capturado su relación con la ciudad. El tercero, y tal vez el más conmovedor, involucró una serie de monitores que mostraban de manera continua fotografías tomadas el 11 de septiembre de 2001 y sus consecuencias directas. A pesar de su enfoque emocionalmente difícil, Life of the City fue una celebración a la tenacidad, singularidad y amor de la ciudad.
Explora toda la historia de las exposiciones del MoMA aquí.
