El hiperrealismo, una tendencia que se originó en los 60 en EU y hoy sigue vigente en todo el mundo

Por Mariela Bargueño/Culturamas

Ciudad de México, 20 de abril (SinEmbargo).-El pasado viernes 22 de Marzo se inauguró la primera retrospectiva de Hiperrealismo 1967- 2012, en el Museo Thyssen- Bornemisza, en España. Blanca Uría Prado, ayudante de conservación del museo ha sido la coordinadora de la muestra que recoge 50 obras de 28 artistas, y es comisariada por Otto Letze, del Institut für Kulturaustauch . La exposición, dividida en cuatro apartados: Bodegones, En la Carretera, Ciudades y Cuerpos, presenta obras de los grandes artistas representantes del movimiento Hiperrealista que se originó en los Estados Unidos a finales de los 60 y que aún hoy continúa vigente.

Aunque el auge de la pintura hiperrealista apareció desde cincuenta años, ahora tiene un desarrollo notable. Una corriente de artistas ha logrado realizar obras trazadas con pinceles que parecen imágenes de alta resolución tomadas con cámaras fotográficas.

De esa corriente se desprende el fotorrealismo, que se basa en la reproducción de una foto con los detalles de encuadre con mayor precisión, que evolucionó del Pop Art. Este término fue acuñado por Louis K. Meisel en 1968 y apareció impresa por vez primera en 1970 en un catálogo del Museo Whitney para la exposición Twenty-two Realists.

Los primeros registros de este arte se dio en Estados Unidos; sin embargo, en Europa también hay destacados exponentes de esta práctica.

Dentro de la primera generación de artistas estadounidenses fotorrealistas se encuentran pintores como Richard Estesy Chuck Close. En Europa, el movimiento está representado por el suizo Franz Gertsch o el español Juan Francisco Casas.

Una de las artistas contemporáneas más destacadas dentro de dicha técnica es Marilyn Minter, quien nació, vive y trabaja actualmente en Nueva York, ha presentado numerosas exposiciones individuales en el Museo de San Francisco de Arte Moderno en 2005, el Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati, Les Rencontres d’Arles festival en 2007, Francia, OH en 2009, La Conservera, Centro de Arte Contemporáneo, Ceutí / Murcia, España, en 2009, el Museo de Arte Contemporáneo, Cleveland, OH en 2010 y el Deichtorhallen en Hamburgo, Alemania, en 2011.

- ¿Cuáles fueron los motivos que os llevaron a acercar al museo una retrospectiva de este movimiento? ¿Por qué Hiperrealismo?

-El Hiperrealismo se había expuesto de manera puntual y con artistas aislados. Hasta ahora no se había podido contemplar en España una exposición colectiva que trazara una genealogía del movimiento desde los primeros artistas norteamericanos de finales de los años sesenta hasta ahora. El proyecto del Institut für Kulturaustauch nos pareció una oportunidad única.

-¿Cómo ha sido el proceso de selección de las obras y de los artistas para la muestra?

-El comisario, Otto Letze (director del Institut für Kulturaustauch) ha elaborado el proyecto en colaboración con Louis K. Meisel, principal impulsor del movimiento, para poder ofrecer por primera vez un recorrido por la evolución del movimiento y su expansión fuera de EU. El resultado es una exposición que recoge obras de tres generaciones de artistas y por lo tanto una gran variedad de aproximaciones a la técnica hiperrealista y al uso de la fotografía como documentación y una forma de revelar nuestra manera de ver.

- ¿Qué relación hay entre las obras de la Colección y las de Hiperrealismo?

-El Hiperrealismo está presente en la colección del museo con tres grandes obras de Richard Estes: People’s Flowers, 1971, Nedick’s, 1970 y Cabinas telefónicas, 1967. El museo ya le dedicó una retrospectiva en 2007 y ahora es una gran oportunidad para observar sus obras en diálogo con las de otros artistas hiperrealistas y poder observar distintas aproximaciones a la ciudad, el reflejo, la fotografía etc. De ésta manera el visitante puede hacerse una idea del clima en el que se produjeron las obras hiperrealistas.

- ¿Qué criterios habéis utilizado a la hora de dividir la muestra en esos cuatro apartados (Bodegones, En la Carretera, Ciudades y Cuerpos)? ¿Fue difícil la elección del color de las paredes?

 -A pesar de la gran variedad de artistas sus distintas técnicas, nos dimos cuenta de que tenían en común ciertos temas “fetiches”. A lo largo de las tres generaciones de artistas se mantienen dos aspectos comunes: la fotografía como documentación y los temas, por ello decidimos agruparlos de esa manera. Respecto al color de la muestra, viajamos a la primera sede en Tübingen (Alemania), donde eligieron el blanco para la muestra. En Madrid pensamos en el rojo y el gris, pero finalmente nos decidimos por el azul, que aporta profundidad y destaca la gama cromática de las obras. Aunque fue una apuesta arriesgada los artistas han quedado muy contentos con el resultado.

- ¿Es, quizás, el Hiperrealismo un momento menos valorado en la Historia del Arte, en ocasiones no considerado arte al ser una copia muy cercana a la realidad?, ¿cuál es tu opinión al respecto?

-El Hiperrealismo muchas veces es infravalorado por la crítica por ser realista, figurativo y por su asociación a la copia, a la mímesis. Sin embargo, no es sólo la simple representación de una fotografía sino una reflexión sobre nuestra percepción.

El fotorrealismo, no copia directamente la realidad, sino que mediante la combinación y manipulación de las fotografías los artistas construyen imágenes totalmente nítidas y visualmente perfectas. El resultado son pinturas en las que todos los objetos en todos los planos están siempre enfocados. Además, ésta nitidez visual se aplica también a las pinturas panorámicas de los artistas de tercera generación en las que ya no hay un solo punto de vista sino dos. A través de juegos visuales con las fotografías los artistas plantean cuestiones sobre la percepción, construyendo una “ultrarrealidad” que el ojo humano es incapaz de captar.